「木島櫻谷 四季の金屏風」展 (泉屋博古館)

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木島櫻谷 四季の金屏風 - 京都画壇とともに-

 ■2021年9月11日〜10月24日
 ■泉屋博古館

 

2013年、2017年に続く、泉屋博古館では3回目となる木島櫻谷特集。
動物画をテーマとした前回に対し、今回は巨大な屏風絵を中心に、櫻谷だけではなく、彼を取り巻いた京都画壇の先人たちにも敬意を払った取り合わせとなっています。

 

メインは「柳桜図」「燕子花図」「菊花図」「雪中梅花」、いずれも六曲一双の屏風絵4点。
縦180センチ、横360センチくらいの大きさ。
圧倒的スケール感があり、絵の前にたつと作品の世界に全身没入してしまうような錯覚を覚えます。
鑑賞者が4作品によって四方を囲まれるように展示されているので、展示室の中に別空間が現れたかような印象。

 

4点の屏風はいずれも泉屋博古館コレクションの基礎を築いた第15代住友吉左衛門友純(春翠)によって櫻谷に発注されたもの。
現在は天王寺公園慶沢園となっている、かつての住友家茶臼山邸を飾る屏風として作成されたのだそうです。

制作年は1917(大正6)年。ただし連作の最後「雪中梅花」が完成したのは翌1918(大正7)年1月です。
櫻谷は40歳代になったばかり。
既に文展での受賞をはじめ数多の実績をあげていたわけですが、重鎮がひしめいていた当時の京都画壇の中で、あえて中堅ともいえる櫻谷に大作を依頼した住友家当主のセンスに驚きます。

 

そして、さらに驚くのはその画風。
中でも「燕子花図」と「雪中梅花」。

今尾景年に学んだ櫻谷のベースには四条・円山派の伝統があるわけですが、これらの作品でまず直観されるのは「琳派」です。
特に「燕子花図」は根津美術館にある光琳作をあからさまにオマージュした作品。
それも、櫻谷の得意技である写生の力でリアルさを出す方向では全く無く、逆に光琳の図像をさらに平板化して、完全に「デザイン」として仕上げてしまっています。

雪中梅花」でも大胆に図像を単純化しているですが、こちらでは細部の色彩濃淡を微妙に差配し、まるで木々が眼前に浮かび上がってくるような効果をあげています。

一見、他の櫻谷作品とあまりにもかけ離れた画風のように見えるのですが、例えば代表作「寒月」(京都市美術館)にみられるような写実を支える様式美の妙を思い出すと、この屏風ではデザイン性にかなり振り切ってはいるものの、紛れもなく櫻谷独自の美意識が反映されているともいえると思います。

 

なぜこの屏風ではこんなに様式性に偏重しているのか。
それは桃山以来続いてきた大画の伝統をも意識しつつ、発注者住友春翠の好みや、屏風が実際に使われる茶臼山邸の広大な規模に呼応したためなのでしょう。
小川治兵衛が仕上げたという庭園に面した広間を考えたとき、写生の技をいくら凝らしても、それがぼんやりとした花鳥画ではバランスがとれない。
大画面にある程度くっきりと像を主張する意匠の力強さを意識する必要があります。
どこで観られるのか。
その使い道を考えたとき、櫻谷の出した答えは琳派、だったのかもしれません。

 

他に応挙や呉春、森寛斎に幸野楳嶺、師匠今尾景年の作品が数点、時代順に展示され、櫻谷の画風に影響を与えたと思われる馴染みの先人たちがあわせて回顧されています。
規模はさほど大きくありませんが、泉屋博古館コレクションの厚みをあらためて認識させられる企画展でした。

 

sen-oku.or.jp

 

詩仙堂の小早川秋聲

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先日鑑賞した小早川秋聲展。
会場となった京都文化博物館内の一角で、秋聲の画業を紹介したBSフジ制作によるドキュメンタリー番組の映像が流されていました。

番組の中では、意外な場所に秋聲の絵が飾られていることが紹介されています。
濱登久の店内に作品が展示されていたことに驚きましたが、もっと意外だったのは詩仙堂を飾る三十六詩聖の板絵が小早川秋聲の手による模写だったというお話。

板絵のオリジナルは詩仙堂を造った石川丈山と親交があったという狩野探幽の作。
そもそもここを詩仙堂と呼ぶ所以となった絵です。
考えてみれば江戸時代初期に描かれた探幽筆の板絵が、なんの維持保存措置も取られないまま、観光客がひっきりなしに訪れる詩仙堂の内部に直接飾られているはずがありません。
二条城などと同様、模写が飾られていて当然なのですが、それが秋聲の筆によるものだったとは全く知りませんでした。

 

ということで、紅葉混雑が始まる前に、秋聲作品確認のため、詩仙堂を訪問してみました。
「詩仙の間」東西南北、四方の壁上部に隙間なくずらりと中国の詩人たち36人一人一人を描いた小さな板絵が飾られています。
照明はなく、天井近くに懸けられているため外光が直接あたることもありません。
仄暗い中に詩聖たちの顔や装束が浮かんできます。

展覧会図録に記されている詳細な年譜によれば、小早川秋聲がこの模写を完成させたのは1962(昭和37)年、77歳のとき。
2年がかりで仕上げたのだそうです。
秋聲が亡くなるのは模写完成から12年後の1974(昭和49)年ですが、詩仙堂での仕事以降、主だった作品が残されることはほとんどなかったようです。

描かれてからまもなく60年。
公開中は戸が開け放たれ、外気に晒され続けている「詩仙の間」ですから、所々剥落が見えるなどこの模写自体にもやや傷みが確認できます。
しかし色彩には目立った汚れもなく特に装束の装飾性は豪華さすら感じられます。

36人それぞれ個性的で、様式性を誠実に守りながらも紋切り型にはめ込んだような適当な作画は一枚もありません。
よく見ると、目の下、涙袋を強調して描かれている人物が何人も見られます。
これは秋聲の人物表現においてよく見かける特徴で、独特の雰囲気が面相に与えられています。
この描画は果たして探幽の原画にもともとあったものなのか。
それとも秋聲が独自に施した線なのか。
この場では原画と比較することができないのでなんとも言えません。
しかし非常に細やかに示された詩聖たちの表情からは、狩野派とはちょっと違った印象が立ち上ってきます。

戦後は体調を崩し作品の数もかなり少なくなる秋聲ですが、板絵群には、小さいながらもとても格調高い画風がみられ、晩年までしっかりその技量を維持していたことが伝わってきます。

 

なぜすでに体調が万全ではなかった秋聲が詩仙堂の模写36枚に取り組んだのか。
秋聲展図録の年譜には1951(昭和26)年5月、雑誌『淡交』に「名席巡礼 詩仙堂の四畳半」という随筆を寄稿したことが記されています。
また模写を完成させた年の3月には石川丈山を描いた絵を詩仙堂に納めています。
石川丈山東本願寺渉成園の作庭に関わったと伝えられ、真宗大谷派ゆかりの人物。
大谷派の僧籍を持っていた秋聲には特に親しい存在だったのかもしれません。
全くの憶測ですが。

 

さて、詩聖の中で、一人、ほぼ後ろ向きに描かれ、面相が全く読み取れない人物がいます。
晩唐の大詩人、李商隠です。
これは石川丈山の意向だったのか、狩野探幽の好みが反映されたのか。
単に適当な肖像図が見つからなかっただけなのかもしれませんが、頽廃の美まで宿している李商隠の詩風をむしろ隠すような地味すぎる描き方。
秋聲も装束の色味をグッと渋く抑えて模写しています。
色々想像してみたくなる面白い図像でした。

 

詩仙堂HPにある「詩仙の間」写真リンク画像】

https://kyoto-shisendo.net/wp-content/themes/066/img/about/about_img_01.png

www.bsfuji.tv

 

 

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小早川秋聲展 (京都文化博物館)

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小早川秋聲 旅する画家の鎮魂歌(レクイエム)

 ■2021年8月7日〜9月26日
 ■京都府京都文化博物館

 

平塚市美術館の現館長、草薙奈津子によれば、アジア太平洋戦争に最も早く従軍した日本画家が小早川秋聲なのだそうです(中公新書日本画の歴史 現代篇』P.41)。
明治以降における日本画の歴史を扱った上下2巻にわたる新書の中で、草薙が秋聲について記述しているのはこの「最初の従軍画家」とする三行あまりのみ。
その他の画業について語られている箇所はありません。

私自身、「國之楯」が醸すインパクトがあまりにも強かったために、戦争画の人、というカテゴリーにはめこんでみてしまってきた画家。
しかし、初企画という今回の大規模回顧展を観ると、そんな印象が一変しました。

 

秋聲ほどその人生と画風がリンクしている人も珍しいと思います。

初めに弟子入りした谷口香嶠は四条派・幸野楳嶺門下の四天王の一人。
歴史画を得意とし有職故実に通暁していたという師匠香嶠による手ほどきの跡が、那須与一楠木正成親子を描いた初期の作品にはっきりみてとれます。

次いで師事した山元春挙も円山派の流れを汲む、こちらも京都画壇の重鎮。
人物画主体の香嶠に対し春挙はどちらかと言えば山水、風景画の人。
「旅する画家」であった秋聲は、登山や写真を好んだという春挙と特に波長があったのでしょう。
旅先の風景を写しとった秋聲の絵にはスナップ写真のようなさりげなさと繊細な色調表現が同居していて、春挙の影響が感得されます。

 

人物表現、景物表現を四条・円山派の本流から受けつぎながら、国内にとどまらず中国からヨーロッパへと旺盛に旅路を駆けた秋聲の画題は伝統的な日本画の枠にとどまりません。
旅の情景を写すだけではなく、「長崎へ航く」ではオランダの港から日本に向かう船とそれを見送る人々の背中を取り合わせています。
イマジネーションの跳躍が色調にまで移ったような爽快でモダンな印象すら与えてくれる傑作。
国粋戦争画の人というイメージはこの一枚で吹き飛んでしまう。

代表作の一つ「愷陣」は、画面いっぱいに描かれた馬の大胆な構図に驚きますが、細部まで緻密に描画された花々や馬具、毛並みの表現には京都画壇伝統の技量が注ぎ込まれています。
凱旋した武人ではなく、あえてその人を乗せてきた馬だけを豪奢なまでに寿ぐ秋聲の視線は、単純な戦闘賛歌の対極を照射しています。

大正後期の作という「追分物語」ではアイヌの女性らしい人物の異様な表情が印象的。
今年話題になった「あやしい絵」展に飾られたとしても不思議ではないグロテスクさが大きな画像いっぱいに広がります。
この頃の京都は国画創作協会の全盛期でもあり、大正デカダンの空気を秋聲も吸い込んでいたらしいことが想像されます。
師匠筋からの伝統を意識しつつも画題画風、両面で新しさを取り込む好奇心の高さがこの画家からは強く感じられます。
日露戦争への出征、世界一周に近い旅、常に動き回る身軽さもこの好奇心が原動力だったのでしょう。

 

旅する機動性に加え、秋聲を特徴づけるもう一つの点は真宗大谷派に属する僧侶だったということ。
仏教を題材とした作品が数多くみられますが、超越的宗教画よりどこかとぼけた味のする禅僧や仙人などを描いた作品が多い。
社会的最下層にいた人々を多く門徒として迎えた東本願寺系の人らしく気取った仏画はほとんど見られません。
他方で皇室とも縁が深い東本願寺
「薫風」と題された豪華な金屏風は法嗣大谷光暢と久邇宮智子女王の婚姻にあたって作成された作品。
画家としての実力に加えて大谷派内の名望もそれなりに得ていたからこその発注なのでしょう。
元々、比較的早い時期(1937年)に戦地へ向かったのも、東本願寺から従軍慰問使として嘱託されたため。
日露戦争軍属経験者かつ僧侶。そして「旅する画家」。
真宗大谷派としては秋聲ほど慰問使として相応しい人物はいなかったのだと思われます。

 

秋聲による人物描写は写実性よりもキャラクター重視。
彼の描く聖徳太子西行は切長の目がどこか日本人離れした雰囲気をもっているように感じます。
実際の人物を写すというより、想念から生み出された顔。
これは秋聲の戦争画において、正面からとらえた写実的な兵士の画像がほとんどないことと関係しているようにも思えます。
代表作「御旗」で描かれている兵士は後ろ姿。
「國之楯」では顔に日章旗が被されています。

兵士の顔は、秋聲にとっては「描ききる」とどこか「嘘」が見えてしまう対象だったのかもしれません。

表装への趣向に好奇心の燻りを維持したらしい秋聲ですが、戦後はほとんど忘却された画家となってしまう。
復権は1995年「芸術新潮」で「國之楯」が取り上げられてからだそうですが、このことが皮肉にも「戦争画の人」というイメージの固着につながり、軍部にその受け取りを拒否されたエピソードがかえって余計な鑑賞バイアスを観る者に与えてしまっているようにも感じます。

本格的な小早川秋聲のリバイバルはこの回顧展以降、ということになりそうです。

 

www.ejrcf.or.jp

ゴッホ展 (東京都美術館)

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ゴッホ展 響きあう魂 ヘレーネとフィンセント

 ■2021年9月18日〜12月12日
 ■東京都美術館

 

とにかく混雑するので敬遠してきた数々の「ゴッホ展」。
今回はコロナの影響で事前予約制となったため意を決して出かけてみました。
ゴッホ展」と名がついた展覧会に入るのはおそらく生まれて初めての経験です。

入場制限による行列はさすがにありませんでした。
それでも昨今の展覧会の中ではかなりの混雑(平日午後・緊急事態宣言解除後)。
このところの閑散とした会場に慣れていたこともあって、久しぶりの人口密度にややストレスを感じはしましたが、コロナ前のブロックバスター展で感じた息苦しくなるような密集状態はなかったように思います。

この3年あまり、ゴッホは毎年、上野に現れています。
2019年、上野の森美術館での「ゴッホ展」(未鑑賞)からまだ2年しかたっていない。
昨年は国立西洋美術館で開催されたロンドン・ナショナル・ギャラリー展の「ひまわり」初来日が話題となりました。

ゴッホ・コレクションの殿堂、クレラー=ミュラー美術館展と銘打たれた展覧会は全国で90年代からほぼ4,5年おきに開催されています。
他国のことは知りませんが、これほど「ゴッホ展」が多い国も珍しいのではないかと想像します。

「麦束のある月の出の風景」や「夜のプロヴァンスの田舎道」といったゴッホ最晩年期の有名作もみられますが、今回来日している作品は色調の暗いオランダ時代に描かれたものが多い。
ファン・ゴッホ美術館にあるオランダ時代の代表作「ジャガイモを食べる人々」のリトグラフバージョンをはじめ、いかにも土臭い作品がずらりと並びます。
これではやや顔ぶれが地味すぎると考えたのか、クレラー=ミュラー美術館だけではなく、ファン・ゴッホ美術館から「黄色い家」などの数点を別に取り寄せ、会場出口近くにコーナーを設営。
それなりに「色彩のゴッホ」で満足感を与えて観客を送り出そうという趣向がとられています。

 

とにかくゴッホのコレクションで有名なクレラー=ミュラー美術館ですが、ゴッホ以外にも多数の近代絵画を所蔵。
スーラやシニャックモンドリアン、ブラックなどの優品がゴッホ特集の前にまとめて展示されています。
いかにもゴッホのおまけという感じが残念とはいえ、いずれも質の高い名作揃い。

中でも今回は、ルドンの大傑作「キュクロプス」が来日しています。
実はゴッホよりもこちらを目当てに出かけたようなもの。

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図録の解説によると、クレラー=ミュラー美術館の創設者、へレーネ・クレラー=ミュラーは当初、「あまりに現実離れした神話の場面に」、「不快感を抱いた」のだそうです。
しかし、次第にルドンの魅力に開眼しコレクションを充実させていきます。
クレラー=ミュラー美術館のサイトをみると木炭画やリトグラフ類に加えて、「カミーユ・ルドンの肖像」など、色彩時代に入ったルドンの作品を多数確認することができます。

ヘレーネが「キュクロプス」をオークションで購入したのは1922年。
描かれた1914年からまだ10年も経っていません。
へレーネにルドンを熱心に勧めたのがコレクションの指南役、ヘンク・ブレマー。
この人とヘレーネの出会いがなければクレラー=ミュラー美術館のコレクションは誕生しなかったといっても良い人。
しかし、ファンタン=ラトゥールをゴッホより贔屓にしようとしたへレーネに対してその軌道を修正するよう説得してしまうなど、ブレマーのゴッホ・バイアスはやや度を超えたところがあったようです。
この美術館を有名にしたのは他ならぬゴッホ・コレクションですが、これは嫌味な言い方をすれば、やや歪なブレマーの好みあってのこととも解釈できます。
実際展示されているファンタン=ラトゥールの「静物」が醸し出す気品と陰翳深さをみると、ブレマーという人の功罪をちょっと考えてしまったりもします。

 

クレラー=ミュラーにはヤン・トーロップのまとまったコレクションもあります。
今回は点描風の「版画愛好家(アーヒディウス・ティメルマン博士)」が紹介されています。
非常に作風が揺れた画家、トーロップ。
他にこの美術館が有するトーロップ作品では「宿命」が有名(これは来ていません)。
この不気味な絵画はサイモン・ラトルバーミンガム市響と録音したマーラー交響曲第6番のジャケ絵として採用されたことでも知られていて、点描とは無縁の世紀末象徴主義の作品。

 

実はラトルのマーラーでジャケットに使われた絵画そのものがトーロップの作品とは別に来日しています。
ヨハン・トルン・プリッケルの「花嫁」。
これは第1交響曲のCDで、その一部分が使われています。
「花の章」を含む録音として話題になりましたが、ジャケット絵もそれに因んだ絵画が採用された、ということでしょうか。
装飾性と象徴性を融合させたような神秘的魅力をたたえた傑作。

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その他、美術館建設にも関わったヴァン・ド・ヴェルドやアンソールなど、ベルギー系の魅力的な画家も揃っています。

ゴッホが混ざると混雑してしまうので、一度、「クレラー=ミュラー美術館展 ただしゴッホを除く」、あるいは「ゴッホのいないクレラー=ミュラー美術館」とでも題して完全な「ゴッホ抜き」展覧会を企画してもらいたいものです。

 

krollermuller.nl

gogh-2021.jp

「若冲と近世絵画」展 (相国寺承天閣美術館)

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若冲と近世絵画展 

 ■(前期)2021年5月12日〜7月25日 (後期)8月1日〜10月24日
 ■相国寺承天閣美術館

 

前期と後期、たっぷり半年をかけての相国寺近世絵画特集。
伊藤若冲が主軸ですが、原在中、円山応挙等、見応えのある優品が取り揃えられています。
なお、前後期の入れ替えはさほど大規模なものではありませんでした。
目立った入れ替えとしては応挙の「大瀑布図」(前期)と「牡丹孔雀図」(後期)。
共に重文なので展示期間制限の関係からの措置と思われます。
前期の5月に訪れた時はコロナもあってかなり閑散としていましたが、緊急事態宣言明けの先日鑑賞した後期展示では若干観客の数が増えてきたように見受けられました。

 

今年7月、宮内庁三の丸尚蔵館所蔵の「動植綵絵」が国宝に指定されました。
かなり唐突な感じを受けたのですが、偶然にも今回の企画展で展示されている若冲の「釈迦三尊像」と不可分の関係にある作品をめぐる大きな美術トピックス。
妙な因縁を感じてしまいます。
周知の通り「動植綵絵」は本来この「釈迦三尊像」を荘厳するために描かれた絵画。
東京都美術館で両作品が初めてまとめて展示されたときの狂騒的大混雑が思い起こされます。
でも図像的には主役であるはずの「釈迦三尊像」だけの展示だとほとんど話題にならない。
今回の展示でもほぼ無人環境でじっくり鑑賞できたのですが、考えてみるとかなりいびつな関係とも思います。
普賢菩薩、釈迦如来文殊菩薩
三幅の巨大なこの仏画こそ、本来、若冲が最も精魂こめて描いたであろう作品。
細部まで工芸品を仕上げるような精緻な筆で描き込まれた三尊の完成度は「動植綵絵」の異様な迫力とはまた違った絵師の執拗なエネルギーを感じさせます。
動植綵絵」が国宝指定されたのであれば、「釈迦三尊像」も本当は同時に指定されないと筋が通らないような気もします。
しかし今回のいまさらながらとしか思えない三の丸尚蔵館館蔵物国宝指定の一件自体、何やら政治的力学が背景に働いているような生臭さを感じるので、相国寺のお宝はそっとしておいた方が良いのかもしれません。

 

釈迦三尊像」と並びこの企画における目玉の一つは、若冲による鹿苑寺大書院障壁画全幅公開。
常設展示されている部分に加え、50面全てがまさに一堂に会しています。
墨一色で素早く筆を走らせつつ、余白の軽快さを活かした作風。
中でも葡萄の蔓草を配した壁画は写実とデザイン性がとても瀟洒に融合されていて、どことなくモダンな印象すら受けます。

 

後期では若冲の「鳳凰」デザインをめぐる秘密が端的に示された面白い展示を見ることもできました。
明代の絵師林良が描き相国寺に伝来した水墨画鳳凰石竹図」。
この横に若冲による模写と思われる「鳳凰図」が並べて展示されています。
想像上の吉祥動物である鳳凰の容貌。
明代に生きた絵師のデザインが江戸時代の絵師若冲に大きなヒントを与えたであろうことが想像され、相国寺若冲絵画に与えた影響力の大きさを知ることができる貴重な作例。

 

当然に若冲がメインなのですが、承天閣美術館が誇る円山応挙による傑作の数々も見応え十分。
中でも有名な寺宝「七難七福図巻」がお目見えしています。
前後期、巻替をしつつ、「難」の「天災」部分に今回は特化。
前期では地震と洪水。後期では火事と暴風海難の部分が開陳されていました。
若冲が生きた京都に起きた大火災、「天明の大火」を今回の展示では意識しているところがあり、あえて災難の部分を取り上げたのかもしれません。
とにかく細部の描写力が素晴らしい絵巻。
「火事」の部分に見られるおぞましい炎の描写は「地獄草子」、「伴大納言絵詞」以来の伝統に加えて、火の温度まで感じられるような凄まじさ。
結構近接して鑑賞できるようにケース展示されていることもあって応挙の超絶的な筆力を明瞭に感得することができました。

 

www.kyoto-np.co.jp