曼殊院 消えた狩野探幽と残ったモダン版画

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庭園と茶室八窓軒が有名な曼殊院門跡ですが、建物の中には結構近世絵画が残されていて、間近に鑑賞することができます。

庫裡から入ってすぐの大玄関には狩野永徳の作と伝わる竹虎図や岸駒の孔雀など、襖絵が剥き出しのまま展示されています。
共に傷みが目立ちますが、図像そのものはしっかり確認できるレベルに保たれています。

しかし、大書院、「滝の間」と「十雪の間」の障壁を飾った狩野探幽の絵はほとんど図像が残らないほど消え去ってしまっています。
寺の説明書がなければ誰が何を描いたのか全くわかりません。

近くの詩仙堂に飾られていた探幽による三十六詩人の板絵は昭和30年代、小早川秋聲の模写に取り替えられ原画は寺宝として別に保管されています。
同じく探幽が描いた二条城障壁画も模写展示になっていますが、こちらは原画が展示収蔵館で一部ではありますが常時公開されています。
曼殊院の探幽は残念ながら消え去ってしまいました。
模写や保存修理のタイミングを逸してしまったようです。
しかし、そのことを責めるのはちょっとお門違いとも思います。
いつ頃消えてしまったのかわかりませんが、下手に他の絵に取り替えたり、きれいに除去してしまうのではなく、ありのままの痕跡を残す。
結果として、「消えた探幽」の残り香のような気配が壁から伝わってきます。

 

探幽の絵は消えてしまいましたが、曼殊院にはとっておきの絵画空間が残されています。
大玄関虎の間のすぐ横、小さい部屋、竹の間がそれ。
一面に喩えようもなく美しい青緑の世界が現れます。
繰り返し描かれた竹文様のミニマリズム
これは版画だそうです。
とても江戸時代に作られたとは思えないくらいモダンな美しさ。
障子窓から差し込む柔らかい光が部屋の陰翳をより深くしています。
他の部屋と全く違う、驚きの異空間です。
ウィリアム・モリスよりも早く、そしてモリスよりもよほど洗練された植物文様の壁紙が生み出されていたことに驚きます。

元は相国寺の南あたりに位置していた曼殊院を現在の一乗寺エリアに移したのは、良尚入道親王
1656(明暦2)年頃のことだそうです。
親王桂離宮を造営した八条宮智仁親王の次男。
後水尾天皇の従兄弟にあたります。
こだわりの美意識を持っていた趣味人として知られていて、自身、探幽に学んだという絵筆を駆使して、優美な絵画を残し、曼殊院の中に今でも作品が飾られています。
竹の間の創造にどこまで法親王の指示がいきわたったていたのか、よくわかりませんが、近世宮廷趣味における最先端の美がこの部屋からは伝わってきます。

曼殊院は台所が二つあることでも有名です。
庫裡にある台所とは別に、上之台所と名付けられた厨房があり、こちらの方が庫裡のそれよりよほど立派に設えてあります。
寺の規模からみると明らかにアンバランスなほど大きい近世のキッチン。
中には夥しい食器類などと共に、献立表が飾られています。
歴代の門跡が相当な美食家だったことが伺いしれますが、この伝統も良尚法親王の趣味だとすれば、竹の間を残したディレッタンティズムに通じるものを感じます。

桂離宮を残した父八条宮智仁親王や、曼殊院のすぐ近所に壮大な修学院離宮を造営した従兄弟後水尾上皇の存在を十分意識していたとみられる良尚法親王にすれば、両離宮の質や規模にとても追従できるわけもないこの門跡寺院において、規模はともかく何か特別なものを残したかったのかもしれません。
もしその意思が竹の間の装飾モダニズムや、美食の台所につながったのであれば、これほど面白い人物も珍しいのではないかと思ったりもします。

 

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狩野探幽の孔雀 (二条城障壁画展示収蔵館)

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二条城大手門から入り、一般的な順路とは逆に右手へ折れて進むと、休憩所に隣接して障壁画展示収蔵館がその長細い白壁の姿を現します。
ここに入るには入城料と別にちょっと追加料金が必要になりますが、かつて御殿を飾っていた狩野派一門による障壁画のオリジナルをゆったり鑑賞できるので気に入っています。

 

国宝二の丸御殿のおまけ的な施設と見られがちで、展示スペースだけ見ればさほど大きな施設とはいません。
しかし、この収蔵館は約3600点にも及ぶ二条城障壁画の保存修理を常時行っているれっきとした京都市立の博物館です。
中でも松本直子学芸員の仕事ぶりは特に有名で、近年、彼女の研究によってある障壁画に関する真の作者が判明。
テレビ番組でも取り上げられて話題になりました。

二の丸御殿障壁画の中で一番有名な、大広間・四の間を飾る「松鷹図」。
長らく狩野探幽の作と見做されてきましたが、近年、松本学芸員によって狩野山楽の絵筆によるものであるとの研究成果が示され、この説が現在最も支持されています。
「松鷹図」は昨年2020年の秋、上野に運ばれ、東京国立博物館主催の「桃山」展において桃山美術の終焉を飾る大作として会場出口近くに置かれました。
その際、東博はこれを明確に「山楽筆」として紹介しています。
2013年、同じく東博で開催された「京都-洛中洛外図と障壁画の美」展では、まだこの四の間松鷹図が「探幽作」とされていましたから、現在、東博も松本直子学芸員説を完全に受け入れたということでしょう。
二条城障壁画は探幽、山楽以外にも、長信、興以、甚之丞など狩野派一門全体が関わったことが今や明らかにされていますが、以前は全ての障壁画が「探幽筆」と堂々と御殿の中で紹介されていました。
隔世の感があります。
展示収蔵館による地道な修復作業と研究の成果は非常に大きい価値があると思います。

 

二条城障壁画展示収蔵館では、一年度を4期に区切り、主だった障壁画を取っ替え引っ替えしながら展示しています。
令和3年度の第3期は2021年10月22日から12月12日まで。
今年は二条城もコロナによる緊急事態宣言で大混乱し、1期と2期は城自体閉鎖されてしまった期間がありましたから、この第3期でようやく正常化した格好です。
その今期は「松鷹図」に次いで有名な大広間・三の間「松孔雀図」が展示されています。
こちらは今でも紛れもなく狩野探幽筆とされる大画。

 

探幽が二条城障壁画製作の命を徳川将軍家から受け、江戸から京へ上ったのは1625(寛永2)年。
探幽は1602年の生まれですからまだ20歳代前半の仕事ということになります。
今回も松本学芸員による緻密でわかりやすい解説文が展示室に掲載されていました。

周知の通り、探幽は永徳の孫にあたりますが、その画風は永徳ゆずりというより、叔父光信の調和美を取り入れています。
永徳のように松の幹がドンと絵の天地を貫くような豪快さがない代わりに、格式をより重視したバランスの良さと気品が持ち味。
長押を含めて広間全体の再現を志向している収蔵館の展示室では、松が部屋を突き抜けるような永徳風の構図ではなく、しっかりその全体像を障壁の画中に収めた松の格調高い姿がよく確認できます。
松本学芸員による解説によれば、この絵には、探幽による絶妙な角度を伴った「平行線」の妙技が仕込まれているのだそうです。
確かに言われてみると、張り出した松の枝やそこにとまった孔雀の姿勢などを貫く美しい無色透明な斜線が見えてきます。

翻って山楽筆と特定された「松鷹図」を想起してみると、この絵でも永徳流の奔放さが抑制されてはいるものの、探幽のスタイリッシュな平行四辺形をベースとしたバランス配置より、強烈に絵を横切る垂直線と松によって表された「頂」が織りなす三角形が意識されていることに気がつきます。
こうした構図の決定的な違いからも、四の間「松鷹図」と三の間「松孔雀図」が別人による作であることがなんとなくわかってくるような気がします。

 

最も有名な「松鷹図」が探幽ではなく山楽だ、ということが、あらためて今回の「松孔雀図」をみて得心できたわけですが、どちらの絵が好みかといえば、私は探幽「松孔雀図」の方。
とにかく、その「孔雀」が素晴らしいのです。
山楽が描いた「鷹」ももちろんかっこいいのですが、この描き方はまだ、「桃山」風の威勢と気概をなんとなく残しているために、整えられた三角形の構図と、どこかチグハグ感があると見えなくもありません。
その点、探幽の「孔雀」は彼が仕込んだ平行線美学のスタイリッシュさに完全に呼応した造形が示されています。
一本足で松にすっと立つ孔雀の描画はそこだけまるで工芸品のように美しく仕上げられています。
様式性をおびた松の図柄と完全にシンクロした上でなお瑞々しい。
余白の使い方まで完璧な探幽の美意識。
皮肉なことにこの探幽スタイルから、水が低きところに流れるように、江戸近世狩野派の美的凋落が始まっていくわけですが、その起点であった探幽の孔雀は桃山の破調をしっかり形式美に抑え込んだ技が冴え切っています。
一つの頂点を見る傑作だと思います。

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「ボイスオーバー 回って遊ぶ声」展 (滋賀県立美術館)

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VOICE-OVER
リニューアル記念展 ボイスオーバー 回って遊ぶ声

 ■2021年9月18日〜11月14日
 ■滋賀県立美術館

 

今年6月、4年間もの休館を経てようやくリニューアルオープンした滋賀県立美術館。
館蔵品セレクションによるいわば拡大版常設展が開催されています。
リニューアル記念第1弾となった「Soft Territory」展は暑い時期に重なり、コロナもあったので鑑賞を見送り。
再開館後の初訪問は第2弾となるこの「VOICE-OVER」展となりました。

全面建て替えの計画から、予算制約の問題など文字通りの紆余曲折を経て、既存建築を活かした改築方針に転換した滋賀県美。
すっきり開放的にアレンジしなおされたエントランスなど、上手にリニューアルされているように感じます。
お金を使いすぎていまさらながらに困り果てているお隣の政令指定都市に比べれば、よほど賢い選択をされたのではないでしょうか。

建物の改装だけではなく、名前も変わりました。
かつての滋賀県立近代美術館から「近代」が取れています。
兵庫県立美術館も、2002年の移転に合わせて「近代」をとり外しました。
以前は新しい響きを持っていたであろう「近代」という言葉が、どうも窮屈で野暮ったい印象に変わってきているようです。
東京や京都では「近代」と入れないと東博や京博との違いが分かりにくくなるので、2館の近美が名前を変えることはないと思いますが、縮小均衡が進むこの国で、一県単位の美術館でみた場合、あえて「近代」とつける意味はもうないのかもしれません。
滋賀県美では「近代」を取り外した代わりに、時代を意識せず地元滋賀ゆかりの美術品や、アール・ブリュットを収集の柱に付け加えていく方針だそうです。

この美術館は、コールダーのオブジェが朱色を主張する中庭を囲むように、展示空間が大きく二つのブロックに分かれて配置され、通常は各エリア別々の展覧会が開催されています。
今回の企画では、2ブロックの全展示室を丸ごと一度に使っているので、ぐるりと一周美術館をめぐることができます。
タイトルにある「回って」という表現はこのことの喩えなのでしょう。
館蔵品の中からハイライトといえる名品を余裕を持って展示していて、とても贅沢な空間が広がっています。

 

地元ゆかりの小倉遊亀作品を集めたコーナーから始まりますが、最初のハイライトはそのすぐ隣に設けられた「いくつもの風景」と題された部屋に現れます。
傑作が並んでいます。

とりわけ速水御舟の「洛北修学院村」。
日本画でこれほど「青」を繊細に描き込んだ作品は他にないといえる名品中の名品です。
ガラスケース越しではなく、至近から鑑賞できる位置に展示されているので、御舟の超絶技巧をじっくり確認することができます。
よく見ると非常に小さく描かれた人物たちの姿ひとつひとつにしっかり表情がつけられていることにも気が付きます。
全体としての青の美しさが、細部の徹底した写実描写と両立している。
あらためて大変な名画であることを再認識しました。

その他、安田靫彦額田王卑弥呼といった有名作品や、志村ふくみによる色調ニュアンスの塊とも見える着物に加え、マチスやゴーキー、ブランクーシと盛りだくさん。

 

続く展示室ではやや雰囲気を整理して、この美術館の「近代」を回顧していきます。

久しぶりに加納光於の連作「波動説」を観ました。
中には、かつて若杉弘が録音した武満徹作品集のジャケットに使われていた懐かしい一枚もありました。

 

 

モーリス・ルイスやマーク・ロスコといった大作家の大作も見所でしたが、今回の展示中、最大のハイライトは田村友一郎が仕掛けたアンディ・ウォーホルの部屋でしょう。
「マリリン」と「電気椅子」。
非常に有名なこの作品が田村の手で並べ換えられ、その間に彼自身のミクストメディアが絡んでいます。
さらに展示室を進むと庭園を望む一角に休憩スペースが現れますが、ここにも田村のちょっとサディスティックな企てが仕組まれていました。
もうある種見慣れてしまっているウォーホルの作品が田村によって「遊ばれ」ることによって新しい様相を手に入れているようです。
なるほど「回って遊ぶ声」が確かに聞こえるようです。

 

「近代」を取り外した成果が早速あらわされている部屋もありました。
制咜迦と矜羯羅の二童子を従えた鎌倉時代不動明王像。
小ぶりですが図像的によくまとまった優品。
これになんと白髪一雄の「不動尊」がとり合わされています。
結構、激しくマッチングしていて驚きました。
滋賀は京都、奈良に次ぐ仏教美術の宝庫でもあります。
今回はこの不動明王だけでしたが、今後の「共演」にも期待が高まります。

 

その他ドットアーキテクツによる巨大な幼稚園の一室のような展示など、丸ごと現在の滋賀県美の有り様を鑑賞者にぶつけてくるような企画の面白さがありました。

瀬田から路線バスに乗り換えないといけないのでアクセスがちょっと面倒な上に、周囲にあるのは図書館だけというなんとも地味な「文化ゾーン」にあります。
しかし、その分、大混雑するようなことも滅多にないでしょう。
隣接する水量豊かな庭園ともども静かにたっぷり時間を過ごすことができる美術館だと思います。

 

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www.shigamuseum.jp

「発見された日本の風景」展 (京都国立近代美術館)

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発見された日本の風景 美しかりし明治への旅

 ■2021年9月7日〜10月31日
 ■京都国立近代美術館

 

不思議な展覧会でした。

286点に及ぶ明治期の洋画が、MoMAKの3階に設営された迷路のような展示スペースに延々と飾られています。

しかもこの夥しい作品群は全て一人のコレクターによって収集されたものとのこと。
展覧会では本人の意向からか、そのコレクターが誰なのか明示されてはいませんが、調べればすぐT氏の名前にたどり着くはずです。

浅井忠、田村宗立、黒田清輝、五姓田義松といった大家や、今年都美術館が取り上げて再注目された吉田博、洋画史に必ずといっていいほどトピックス的に登場するお馴染みのワーグマンなど、見知った画家の名前も見えます。
しかし、展示作品の多くは、かなりマイナーな画家たちによって占められています。
T氏が画家の名前ではなく、描かれたものと描かれた時代に特別な想いを持って集めたのであろうことが強く伝わってきます。

東京も含め、近美がこれだけの規模で、匿名扱いのコレクター一人による収集品のみによる展覧会を過去開催したことがあったかどうか。
まずこの企画自体が不思議でしたが、T氏の明確な収集志向によって、そのコレクションが自ずからある種の企画性を帯びていたために成立した展覧会といえそうです。

 

さて、企画以上に、もっと不思議だったのは何点かの作品が放つ異様な「眼」の有り様です。

本展の副題に「外から見る」「外へ見せる」とあります。
「外から見る」は当時日本にやってきていた外国人画家の眼。
「外へ見せる」は洋画の手法を手に入れたばかりの日本人画家の眼。
特に展覧会前半、日本の東から西へと旅するように配された風景画の多くにその瑞々しい眼を感じることができます。
しかし、この企画展では、画家たちの「眼」が捉えた景物・人物が、単純な内と外のベクトルでは区分できない、なんとも不可思議な画像となって現れている作品にも出くわすことになります。

 

まず「外から見る」側、つまり外国人画家の作品についてみてみると、例えば、エーリヒ・ギプスによる「鎌倉大仏」から感じる画家の異様な眼。
長谷の大仏が強烈な存在感を持って描かれています。
一般的な正面からではなく、徹底した横からのアプローチで図示されている構図にまず妙な違和感を覚えます。
さらに周囲で踊っているようにも見える人物たちと大仏とのあやふやな距離感や、その意味が読み取れない仕草が不気味さを際立たせています。
エキゾチシズムだけで捉えた景物描画であれば当時の外国人の眼として納得できるのですが、ここには妙に対象の遠近感がズラされた写実があり、下手なのか上手なのか、リアルなのか幻影なのか、見るほどに不思議な感覚に襲われる作品でした。

仏像つながりでみるとアルフレッド・パーソンズの「雪中の仏像」。
雪を被って座る仏像が描かれた油彩画で、全体はなんの変哲もない情景描写です。
ところが仏の顔は明らかに実際の彫像ではあり得ないほどにうつむきすぎています。
結果、如来の悟りなどとは程遠い、何やら不吉なものでも地下に見出しているような表情に見える。
同じパーソンズの「富士山」はいかにも「外から見る」眼が素直に捉えた画像として納得の絵画なのですが、「雪中の仏像」には単純に「外から見る」だけに終始しない画家の内奥に秘められたもう一つの眼があり、それが見慣れない日本の彫像に触発され、その視線をあらわにしてしまったかのように感じられるのです。

 

他方、「外に見せる」眼の方でも一筋縄ではいかない作品がちらほら顔を見せています。

本多錦吉郎は兵庫県立美術館が所蔵する「羽衣天女」が特に有名ですが、この展覧会では2枚、独特の迫力を持った作品が紹介されています。
「障子から覗く少女」と題された水彩は、自然な表情からはほど遠い、奇妙な笑みを浮かべた少女が、現実離れした、まるで標本でも描くかのように突き放された写実で描かれています。
西洋的な写実技法をとことん勘違いして駆使した結果生み出された珍妙さが、画家の大真面目な仕事ぶりによって余計際立つという、摩訶不思議な絵に仕上がっています。
もう一枚は大判の油彩「豊穣への道」。
こちらは「障子から覗く少女」とは技法も表現方法も全く違った濃密な世界が描かれています。
仕事帰りの農夫たちと思われる人々が夕闇に溶け込んでいるのですが、その陰翳があまりにも濃いため、遠近法が強烈に効果を発揮しすぎて画面の中に吸い込まれそうになるほど。
羽衣天女」のいかにも洋画黎明期を代表したかのような明るい折衷の面白さだけではない、この画家の深い眼差しをみるようでした。

 

面白い眼、という点ではなんといっても笠木次郎吉でしょう。
展覧会のチラシや会場前のディスプレイに使用されている「牡蠣をとる少女」の抒情的な図像はいかにも「美しかりし日本」を代表しているようですが、この画家の真骨頂は別にあるように感じます。
「新聞配達人」にみられる残酷なまでにキャラクターを抉りだすような、見ようによっては劇画チックとさえ言いたくなる過剰に描き込まれた人物画。
一方で、母親に抱っこされた子供の表情には、例えば泰西名画にみる幼児期イエスのちっとも可愛くない訳知り顔の表現を借用したような、微妙な気持ち悪さが滲みます。
笠木の眼には、「外に見せる」というより、やや歪んだ「外」がすでにその中に入り込んでいます。
その上で、外の人たちにウケるように描こうというサービス精神が旺盛にからまってくるので、およそ誰もみたことがない、強烈なアクのようなものが対象にこびりつく。
経歴もよくわからない人だそうですが、真水と海水が混ざり合うような明治洋画黎明期が産んだ奇想系の画家ともいえそうです。
この企画展を契機に美術系のメジャーなメディアが取り上げたら一気にブレイクしそうなくらい、奇妙に訴求力のある画風を持った人です。

 

とにかく圧倒的な点数なので、うっかりじっくり観ていると2時間くらい経ってしまいます。
「美しかりし明治」というタイトルに嘘はありませんが、それよりも所々に仕込まれた画家たちの「異様な眼」が見所だと思います。

 

www.momak.go.jp

木島櫻谷旧邸

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現在京都市京セラ美術館で開催されている「モダン建築の京都」展(2021年9月25日〜12月26日)。

博物館や庁舎、大学といった大規模公共建築に加えて、個人住宅もいくつか取り上げられています。

その中のひとつ、日本画家木島櫻谷の旧邸が10月23日から11月28日にかけて公開されています(期間中の土日・祝日のみ)。
普段は閉鎖されていますが、春や秋に1ヶ月程度、櫻谷ゆかりの品々や作品を展示しつつ公開期間を設けているようです。

今回の公開は嵐山の福田美術館と嵯峨嵐山文華館で同時開催されている木島櫻谷展と連携した企画なのですが、ちょうど「モダン建築の京都」展ともタイミングがあった格好。
旧邸を管理運営している櫻谷財団も京都市美術館の企画展を一応は意識していて、邸内には同展のチラシが掲示されています。

北野白梅町から徒歩7,8分、洛星高校を抜けたあたりにあります。
もうちょっと西北に進むと等持院という位置。
和館、洋館、画室の3棟によって構成されています。
1913(大正2)年に建てられ、1924(大正13)年まで増改築が続けられたのだそうです。
施工は西村平右衛門という大工。
館の仕様にはおそらく櫻谷の意向が細部に至るまで反映されているものとみられます。

入館受付がある和館からまず鑑賞。
木造2階建て。
障子やガラス窓からふんだんに光が取り入れられた軽快な住宅建築。
大正2年、3棟の中で最初に建てられたのがこの和館。
このとき木島櫻谷はまだ37歳です。
各部屋の大きさはさほど広くはなく、廊下や階段なども狭い。
日本画家の邸宅というイメージではありませんが、簡素に整えられた室内空間には住んでいた人たちの息遣いがそのまま伝わってくるような不思議な温かみがあります。
1階の北側奥には台所があり、当時使用されていたとみられる道具がそのまま置かれています。
同じようにアトリエ兼住居として公開されている岡崎の並河靖之邸にも台所がありますが、生活感の残り具合では木島櫻谷邸の方が濃密です。

 

さて「モダン建築の京都」展との関連でみると、櫻谷旧邸の見どころはなんといっても洋館。
和館の西に隣接して建てられています。
木骨煉瓦造の2階建て。
といっても煉瓦はクリーム色の外壁によって塗り覆われていて、全体の印象は装飾性が抑制されたシンプルさが支配します。
1階が丸ごと収蔵庫になっていることもあり、洒落た洋風建築というより、「蔵」といった方がしっくりくるような外観。
しかし入り口から美しい曲線を描いて2階へ誘う階段には典雅な趣があり、大きな窓によって明るい空気に包まれる2階の様子は、和館とは別の柔和さが感じられます。
折り上げ天井に和洋折衷の典型が見られますが、ゴテゴテしていないので不思議と室内の印象はあっさりしています。

何点か櫻谷の作品などが部屋に展示されていましたが、一番面白かったのは襖に直接描かれた蕨。
足元近くにこっそり描かれていて、柔らかい室内の雰囲気に溶け込みつつ、画家の洒落っ気を伝えてくれています。

 

洋館からテニスコートなどを挟んで建っている画室は和風の平屋で、草木に囲まれているため外観はさほど大きく見えないのですが、中に入ってみるとかなり広々とした空間が出現します。
64畳の規模とか。
天井は富岡製糸場でも採用されたというキングポストトラス工法で組まれていて、柱がない分、すっきりとした空間が生み出されています。
なお画室入り口近くに立つ唐楓の木は1932(昭和7)年、第13回帝展に出品された「角とぐ鹿」(京都市美術館蔵)で鹿がまさにツノを擦り付けている木として描かれたものなのだそうです(木の根元に解説書が添えられています)。

 

3棟とも2007(平成19)年、国の登録有形文化財になっています。
規模が大きいとはいえず、豪華さもありませんが、その分、画家とその家族たちの暮らした空気がそのまま伝わってくるようなインティメートな魅力がここにはあるように感じました。

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kyotocity-kyocera.museum