「琳派と印象派」展 (アーティゾン美術館)

 

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琳派印象派 東西都市文化が生んだ美術

 ■2020年11月14日〜2021年1月24日
 ■アーティゾン美術館

 

17世紀から19世紀前半までの絵師たちをつなぐ琳派と、19世紀後半が中心の印象派
京都・江戸とパリ。
時代も場所も違う両者が直接的に影響しあったことは無い中で、二つの絵画の流れを比べるとどうなるのか。
結論から言えばやはり特別な関係は無い、ということになりそうですが、いずれも目を喜ばせる流派なので、古臭い言い方をすれば一粒で二度美味しい。
美術史的に両派の共通点を探るというより、素直に感覚的愉悦に浸ってみる。そういう展覧会だと思います。

 

前半は琳派中心。
宗達の「舞楽図屏風」(醍醐寺)が前期展示の実質的主役(12/22からの後期は建仁寺の「風神雷神図」に入れ替え)。

尾形光琳「孔雀立葵図屏風」は近年石橋財団保有になった作品だとか。左隻の立葵と右隻の孔雀が絵柄としてまったくつながらない二曲一双。小林忠の解説によれば、元々二つの図像は表裏に描かれていたのだそうです。色彩を抑え金箔の荘厳さを生かした孔雀図に対して紅白の花と鮮やかな緑の葉を垂直にデザインした立葵図。発注者の九条家でどのように使われていたのか想像するのも楽しい作品でした。

酒井抱一の「白蓮図」(細見美術館)は水墨の淡いグラデーションが繊細で柔らかい蓮の質感を表現しつつも構図は大胆。写実とデザイン化の絶妙な間の妙。

「伊年」印から鈴木其一まで、この美術館の収蔵品に加え、各地のミュージアム、お寺から満遍なく琳派の優品が揃えられています。

 

他方、後半の印象派についてはアーティゾン美術館コレクションからのピックアップが中心。
琳派印象派をつなぐほとんど唯一の共通項として、「扇形」が取り上げられています。一例としてマネとドガが描いた扇形の画面を紹介。琳派が扇を使って絵巻から場面をトリンミングし屏風などに仕立てた手法とは違い、印象派の場合は扇形から覗かれた風景の面白さが主題。同じ形を使うにしても東西では根本的に美意識が違っていることが示されています。

 

先日、京都国立近代美術館が開催した染織家森口邦彦の講演会を聞きました。
彼が印象的に語っていたのは、現代グラフィックデザイン琳派の共通点。
対象からかたちの要素を抽出して明快に示していくという点で、両者にはごく近似の要素があるという指摘。

一見、ほとんど共通項がないと思われた印象派琳派ですが、展覧会の終盤で驚きの競演がみられました。

鈴木其一が描いた「富士筑波山図屏風」。
そして、セザンヌの「サント・ヴィクトワール山とシャトー・ノワール」。

其一の筑波山は極端に単純化された図像なのですが、都心から遥かに望むその山の形や色はまさにこれ。二つの頂から向かって右側に緩やかに傾斜していく斜面と青く灰色味を帯びたシルエット。記号的といってもいいくらいデザイン化された筑波山
他方、セザンヌのサント・ヴィクトワールも、山そのものだけを抽出したような純粋な存在感が際立ちます。
共に余計なものを排除しつつも、対象に残ったかたち・要素の美を明示しています。
森口邦彦が琳派の特徴として指摘した「デザインの抽出」が、セザンヌの透徹な画風にも、期せずして明確に共通して現れていると感じられました。

 

アーティゾン美術館5,6階を使って100点あまり。
賑やかな風神雷神が登場する前だからなのか、平日昼間の前期展示は閑散。
鮮やかな色彩が目に眩しいくらいの宗達舞楽図屏風」をしばらく独占して鑑賞する贅沢を味わうことができました。

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鈴木其一 筑波山

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セザンヌ サント・ヴィクトワール山

www.artizon.museum

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「ホモ・サピエンスの涙」 (ロイ・アンダーソン監督)

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■「ホモ・サピエンスの涙」(2019 ロイ・アンダーソン監督)

 

「銀行を信用できない男」のシーン。
寝室とそこから見える奥の部屋の構図。
その整然とした配置と映像の淡い色調。
ウィルヘルム・ハマスホイの絵画を想像してしまいました。

 

東京都美術館が今年の春に企画したハマスホイ展。
コロナのため会期が縮小されてしまいましたが、なんとか観賞することができました。
彩度を抑えた静かな空間描写。
幾何学的といえるくらい整えられた構図の美しさ。
饒舌さと無縁なのに、何かを語りかけてくるその独特な画風に魅了されました。

ロイ・アンダーソンが創造した「ホモ・サピエンスの涙」は、まるでハマスホイ絵画が連続するような映画による画集。
デンマークスウェーデン。画家と映画監督の出身地は違いますが、どこか空気感を共有しているように感じます。

 

「男を見た」「女を見た」と語る女性の声が各シーン に付与されています。
見られた彼、または彼女たちは、信仰を失った聖職者であったり、シャンパンがただ好きな女性であったり、猜疑心から暴力をふるう夫とそれを毅然と受け止める妻であったりします。
時空は自由に設定され、現在なのか未来なのかわからない場面や、ヒトラーが絵画のように描かれる過去の世界も挿入される。
脈絡らしいものはありません。
美男美女はほとんど登場せず、不健康にでっぷり太ったおじさんたちの出番が多い。
しかし、どの場面もなぜか、息を呑む美しさ。
対象物の美醜を超えた存在そのものの美しさが映し撮られているという意味で、正真正銘の美術映画、または映画美術。

ホモサピエンスたちを見ている声の持ち主は誰なのか。
ゴルゴタの丘に登らされるキリストに模された男が描かれるシーンがあります。
ではその声の主は「神」なのか。
どうもそうではないように思えます。
十字架を背負わされている夢の中の男はどこか滑稽さがあり、夢から覚めて「手に杭を打たれた」と泣きわめくその様子は、まるでブニュエル映画に出てきそうな存在。
これが神の視点であれば、それはかなり意地悪な神様ということになってしまいます。

 

冒頭と最後の場面。
どちらにも天空にV字を描いて飛ぶ鳥の群れが映し出されます。
どうやらその鳥の中の一羽が声の主のように思えたりもしますが、そんな詮索や想像自体が野暮なのかもしれません。
誰なのかわからない「声」が担った役割は、このあまりにも美しく滑稽でしかも悲しい映画に
神話性と寓話性を与えるためのエフェクトなのでしょう。

 

なんのつながりもないシーンの連続。
でも、先にふれた最初と最後に現れたV字に飛ぶ鳥の群れや、一人だけ観客に呼びかける役を担わされた男、そして空中を浮遊する謎めいた恋人たちと、意味ありげに「二回」登場するキャラクターが設定されています。これは一種の「枠組み」として仕込まれたものともみれる。
アンダーソンは「額縁」も忘れない映像作家だと思います。

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狩野永徳 聚光院 花鳥図襖 (東京国立博物館「桃山」展から)

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11月29日に閉じられた東博渾身の特別展「桃山」。
後期会期末近くに訪れてみました。前期に続き再訪です。

 

この展覧会を象徴する狩野永徳「唐獅子図屏風」(宮内庁三の丸尚蔵館)は後期(11月3日〜)からの展示。
前期の「檜図屏風」から入れ替えられたわけですが、その圧倒的な大きさと迫力はまさに本展の顔。
この絵に並置されているのは狩野派のライバル長谷川等伯。前期に引き続き展示されている智積院楓図の横に、東博の切り札「松林図屏風」がお正月の常設展示役があるにもかかわらず後期から加勢。永徳の巨大さに対してモノクロの深淵と色彩の絢爛さで拮抗。大変贅沢な共演です。

 

前後期で大幅に作品が入れ替わっています。
後期、最も見所として印象に残ったのは、狩野派三巨匠による花鳥画の競演。
中でも永徳による聚光院の花鳥図。

この絵師得意の金碧障壁画とは違い、墨一色。
しかし、繊細かつ大胆に枝を伸ばす梅の木の図像からは、色彩はなくとも、いや、むしろ、色彩がないからこその高潔で柔軟な躍動の美が横溢します。
「唐獅子図屏風」がその巨大さと豪壮さで桃山を代表しているとすれば、聚光院の襖絵は形を受け継ぎながら、そこからはみ出るように溢れ出す生命力を表現している点において、こちらもまさに桃山芸術ならではの美意識といえるのではないでしょうか。

大徳寺塔頭の聚光院は三好長慶の菩提を弔うために建立された寺院。
織豊政権下で本格的に花開いた永徳芸術ですが、この方丈を飾った襖絵では、権力者の威勢にさほど影響されていないように思えます。その分、純粋に彼の技巧とセンスが表されているかのよう。大規模な障壁画よりこの襖絵が永徳作品の中では最も好きです。

今回の展示では、あえて、聚光院襖絵の右隣に元信の「四季花鳥図」、左隣に探幽の「雪中梅竹遊禽図襖」を配置。
室町から桃山、そして江戸絵画の曙光へ。
狩野派がたどった画風の軌跡を一目瞭然に判別させようという企画。
中国風の様式から離れつつもまだ古典的な構図のしきたりを維持している元信。
スタイリッシュに格調高さを演出する探幽。
その間にあって、永徳のそれは、奔放さと気品を兼備。
聚光院襖絵は桃山の美的エッセンスを凝縮したような存在感をもっています。

 

その他、後期展示では岩佐又兵衛洛中洛外図屏風」(舟木家本)、今日庵が蔵する長次郎の赤楽茶碗「銘 太郎坊」など、主役級の逸品が次々と登場。
前期同様、見所満載の特別展となりました。

金曜日、夜間に観賞。
この質と規模の展覧会であれば、通常、夜間展示でもかなりの観賞者がつめかけるはずで、混雑を懸念していました。しかし良い方向に予測ははずれ、閑散とは言わないまでも会場はいたって静かなもの。じっくり観賞することができました。
コロナ第3波の中、在宅勤務を再徹底せざるをえなくなった企業が増えているのでしょう。都心に17時以降わざわざ出向く人は少なかったのかもしれません。

 

なお、前期に訪れた際、違和感を覚えた展示品を囲む幅広い「立入禁止エリアライン」ですが、再訪した際には若干狭められ、見やすくなっていたように感じました。
コロナ対策は諸々大変ですが、過剰な制約は観賞を窮屈にさせます。東博のようなブロックバスター展を企画できるミュージアムは今後も事前予約制を是非継続してもらい、混雑害を回避しつつ展示運営そのものには過度の縛りを行わないよう、わがままに期待したいと思います。

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小山聡子『もののけの日本史』(中公新書)

 

 

■小山聡子著 『もののけの日本史 死霊、幽霊、妖怪の1000年』(中公新書)

 

著者によれば「六条御息所のモノノケ」という言い方は本来、間違いなのだそうです。

モノノケとは、いまだ、正体がわからない「何か」をさす言葉。
だから紫の上に害をなした「何か」が六条御息所と正体がわかった以上、モノノケという表現は、もはや、とりえない。正確には「六条御息所の霊」としなければならないことになります。

でも、「もののけ」が幽霊、妖怪や祟り神などのイメージを内包してしまった現在、「六条御息所のモノノケ」といわれて、著者の指摘を受けなければ、『源氏物語』の現代語訳として特段違和感を覚えることはないでしょう。

 

平安時代頃から本格的に使われはじめた「もののけ」という言葉が、中世から現代まで、どのような意味を纏って使われ続けてきたのか。
本書は「もののけ」のいわば「用例史」を詳かにすることで、日本人の精神史、その一断面を提示してくれます。

 


モノノケが「怨霊」と厳密に区別されていた平安時代
恨みを抱いて死んでいった貴人たちの怨霊は「鎮撫」されたのに対しモノノケには「調伏」。つまりその対処システムがそもそも違う。印契真言を用いて調伏する「加持」と、壇を設けて本尊を安置し行う「修法」。仏教による調伏手段も厳密にはこのように区別されなければなりません。
「怨霊を調伏」とか「病人のすぐ枕元で修法」という言い方は本来ありえないということになります。なかなかに奥深い。

 

数多の政敵を追い落として我が世の春を謳歌した藤原道長が、それゆえにモノノケたちに大いに苦しめられたことが解説されています。
自らも加持を行ったという道長は娘嬉子が妊娠中に麻疹を患った時、加持を強行。出産はできたものの結局嬉子は亡くなってしまう。当時麻疹は赤斑瘡(アカモガキ)といわれ、モノノケではなく「神」による業と考えられていました。つまり道長は対象を誤り、神に対して本来行ってはならない加持(調伏)を行ってしまい、失敗したことになります。
対象とそれに対応するシステムが明確に区別されていた頃。モノノケという言葉が最も厳密に範囲を限って使用されていたのが平安時代ということになります。

 


中世になると調伏システムがさらに発展。
初潮を迎えていない女性や童子を「ヨリマシ」として使い、モノノケをこれに憑依させる。ヨリマシにモノノケが「縛入」されることで病が治っていく。いわばモノノケ退治のマニュアルのようなものがみられるようになります。
囲碁や双六もモノノケ退治の手段として用いられたのだとか。藤原定家の『明月記』には瀕死の病に苦しむ貴族が「将棋」を行ったことが記録されている。気を紛らわそうとして将棋を指したのではなく、モノノケ調伏のために真剣に行われたもの。こういう将棋の仕方もあることを理解しておかないと中世史料を読み違えてしまうことになりそうです。

著者は「幽霊」という言葉にも鋭い指摘を加えます。
もともと「幽霊」はすべて悪霊というわけではなく、むしろ尊い人のありがたい霊をも指す言葉。それが世阿弥の能表現で一変。亡者のマイナスイメージが色濃く付加される言葉になっていきます。幽霊という語の用例を、世阿弥以降の解釈で単純化してしまうと古代中世に使われたこの言葉の意味がわからなくなってしまうと著者は批判。

 

さらに近世になると医術の発達などもあって、そもそもモノノケや祟り神自体が軽んじられ、エンタメの対象として妖怪、化物とも混じりあってくる。
稲生物怪録』を詳しくとりあげているところは近世怪談史のツボをしっかりおさえていて情報量も豊富です。

著者の専門は古代から中世の日本宗教史。当然にこのあたりの記述が中心ですが、「もののけ姫」に代表される現代のもののけ用例にもちゃんと言及しています。

 

真剣にモノノケを恐れていた道長の時代は何を対象としているのかある意味、明確に意識されていたこの言葉。
近世以降、だんだんモノノケ自体が恐れられなくなるにつれ、化物、妖怪、幽霊など、とにかく得体の知れない奇怪なものをどんどん取り込んでしまい、言葉の意味範囲としてはむしろ曖昧になっていく。「物の気」と書かれていたモノノケが、「物の怪」に変わります。
他方で「もののけ」のイメージは水木しげる漫画にみられるようにキャラクター化が進み、むしろ明確になってきているともいえます。
考えてみると「もののけ」とはたいそう不思議な言葉です。
意味が曖昧になるにつれ、姿形ははっきりしてくる。
これこそまさに「もののけ」的歴史変遷。

 

さて、冒頭ふれたように「六条御息所のモノノケ」はモノノケの本来の用例からみると誤った表現であると著者は指摘しています。
一方で、『源氏物語』内で光源氏はその正体がわかった後でもあえて「モノノケ」を使い続けている。それは源氏にとって、紫の上を苦しめる「霊の正体」が周囲にわかってしまってはまずいから。御息所は自分がつれなくしたために怨霊となってしまった。それが周囲に知られては困る。だからいつまでもモノノケとして正体を知らないふりをしつつ「調伏」。本来なすべき「供養」はほとんどしない。著者はこの源氏の薄情な態度を強く非難しています。
モノノケ本来の用法がわからないと、源氏の酷薄さもわからない。
あらためてこの言葉に注目して古典を読み直すのも面白いかもしれません。

2020年11月の新刊。
なおP.152『太平記』に関して触れられた箇所で「醍醐天皇」と記載ありますが、これは当然に「後醍醐天皇」と正されるべきでしょう。

 

刀屋 (長野県・上田市)

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刀屋は、おそらく、上田で一番有名な蕎麦屋でしょう。

 

昼時はいつも行列。
でもコロナの影響なのか、11月下旬平日12時半くらいに訪れたところ、前に2人ほどしか並んでいませんでした。
もともと狭い店内では机の位置を工夫するなどしてコロナ対策。
大変そうです。

 

いつもは名物の「もりそば大盛り」を注文するのですが、今回は旅館の朝飯をもりもり食べてしまった後だったので、おとなしく普通盛り750円。
それでも十分すぎる量。
大盛りにすると蕎麦をザルからこぼしそうになるのでいつも苦労。
普通盛りなら行儀よく食べることができます。

 

大盛りを注文した近くのお客さんにお店の人が、
「食べたことがありますか? 1キロくらいの量がありますから、初めての方にはご遠慮いただいています。」と忠告。
それでも注文したいとお客さん。
「では、はじめに普通盛をお持ちします。それから食べられるようでしたら追加分をお持ちします。値段は大盛りのままです。」と店員の方。

うーん、この方法なら大盛りでもこぼすことなく食べられそう。
追加蕎麦の鮮度も保たれるし。
今度はこの方法を取ろうかとも思いましたが、大盛り経験者なのに嘘をつくことになるし、店の人に面倒をかけるだけの邪道とも思え、自粛することにします。

刀屋の蕎麦はジャンル分けできない存在。
太く歯応えのある独特の麺は蕎麦というよりアルデンテのパスタに近い。
辛味は青々とした大根おろし。これもクセになるアクセント。
一度ハマると定期的に食べたくなる魔力があります。

 

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刀屋のもりそば 普通盛

■刀屋: 長野県上田市中央2丁目13−23

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